La Luna no lleva la cuenta de los siglos. No hay en ella interés por la altura ni por la caída.
Ha visto al hombre erguirse desde la torpeza, sacudirse el barro, levantar ciudades y máquinas. Ha pillado a la materia esforzándose por justificarse, inventando formas cada vez más complejas, vistiendo el desamparo de cultura: para después olvidarlo todo.
No la inmutan ni el progreso ni la ruina. Lo ha visto repetirse demasiadas veces.
La Luna solo espera el calor de su Sol. Y cuando lo olvida, cuando por un instante cree que ya no lo tiene, todo se vuelve una pesadilla.
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“El sueño de la luna” no es una casualidad, aunque es un puerto milagroso, como todas las tierras visitadas por primera vez.
Hace 7 meses comenzamos un viaje cuya ruta estaba bien definida. Cada mes un arcano del Tarot de Marsella nos ofrecería su suelo para impulsar nuestro vuelo. No solo usamos el tarot como inspiración simbólica y formal, sino también como una guía metodológica para la creación artística.
En septiembre, con El Mago, diseccionamos las infinitas posibilidades y elegimos una semilla para sembrar: una idea, un deseo. Esa semilla fue sembrada en nuestros cuerpos y gestada por La Papisa. La Papisa nos ofreció imágenes poéticas, difusas, que emergían del diálogo con esa nueva realidad que, por este momento, solo era una certeza interna.
En noviembre, La Emperatriz permitió la eclosión de los primeros bocetos: exploraciones sin finalidad y la elección de un antojo creativo. Lo que fue parido por La Emperatriz fue luego estructurado con El Emperador: coreografiamos, establecimos pautas formales.
Con El Papa encontramos el sentido inscrito en nuestras danzas, descubrimos el mito y el ideal común. El Enamorado permitió disolver las barreras identitarias para recuperar el tejido colectivo y la vulnerabilidad.
Finalmente, el Carro nos trae la acción pura: ya no hay conflictos que resolver, solo queda actuar. La presentación que proponemos este 12 de abril forma parte de esta última fase. Salimos al mundo para llevar a él todo lo que hemos movido.
A lo largo de todo el proceso no solo hemos escuchado nuestros propios deseos, sino también aquellos que intuimos en lo colectivo. Desde nuestra comprensión parcial de las derivas del mundo, hemos puesto, al menos, toda nuestra buena voluntad. Confiamos en que esta bonita energía, llegue a tocar tu vida el día de la puesta en escena.
—————————————— El sueño de la luna ACTO ESCÉNICO FINAL / Iniciación de butoh chamánico.
Lo que verás es una creación colectiva. Nace de cuerpos que durante siete meses han bailado la danza del origen para no olvidar al Sol.
¿Te preocupan Oriente Próximo, Groenlandia o las sTrumptroopers de Minneapolis? Asómate al desorden mundial de la mano de un experto.
Un show cómico de IMPRO inspirado en historias reales de las misiones de paz de la ONU en Kosovo, Timor Este y Sudán, así como en experiencias vividas en primera persona en otros lugares como Myanmar por un cooperante internacional.
Todo lo que siempre quisiste saber sobre las misiones de paz y no te atreviste a preguntar. A partir de las sugerencias del público, los actores se lanzan a improvisar sobre las intervenciones para promover la paz.
Ven y descubre el caótico y fascinante mundo del conflicto y la construcción de la paz con un especialista de postín, distorsionado por dos bobos de relumbrón.
TEDx: teatro IMPRO, enredo y desvarío. ¡¡¡Xasssss!!!
SINOPSIS Marcial es un peregrino profesor de Instituto que pone en práctica lo que él llama pomposamente La pedagogía del silencio: Consiste en hacer largas pausas de 10 minutos durante sus clases porque piensa que el silencio está lleno de una densa carga intelectual y que sus alumnos se encontraran a sí mismos en este ámbito de mutismo. Esto provocará un gran revuelo en la comunidad escolar y especialmente enrarece las relaciones con la directora del centro, que es a la vez cuñada de Marcial, cuya profesionalidad, integridad y solvencia como profesor es cuestionada por alumnos y docentes así como su mujer. La directora le cita en su despacho con frecuencia para amonestarle blandamente al principio, presionada por su vínculo de parentesco, pero no consigue cambiar sus extravagantes formas de impartir clase o de no impartir nada. Lo que tendrá también graves consecuencias en la relación con su mujer, hermana de la directora, y que trabaja en el mismo centro como administrativa. El silencio que en el teatro posee cualidades mágicas para prestigiar a los personajes y los conflictos, se erige aquí en un arma siniestra de engaño, dominio, omisión, manipulación y ambiciones sin freno.
Lasideologíasnos separan, los sueños y laangustianosunen. Ionesco
Sinopsis
El título está tomado de la famosa canción protesta y antibelicista de Brassens de 1952, año en que transcurre esta continuación de Tres sombreros de Copa. Lejos de ser una secuela- quién se atrevería a tamaña osadía con una obra de Miguel Mihura tan trascendente para el teatro español-supone una tentativa de recuperar una pareja de personajes entrañables abocados a que se malogre una felicidad promisoria triturada por el implacable programa de la vida burguesa, parafraseando mal que bien al propio Mihura. Como sabemos la obra la escribió durante una convalecencia el año 1932 inspirada en sus amoríos y andanzas de juventud en la compañía de Alady. Entonces su humor resultó tan ininteligible e innovador para la época que tuvo que dormir los ilusionantes años de la República, la funesta guerra civil y varios años de la gris posguerra franquista. Un total de 20 años.
Ambos personajes, Dionisio y Paula, se reencuentran en Madrid a mediados de los cincuenta el día del desfile de la Victoria, que entonces se celebraba el 1 de abril. Paula trabaja como prostituta en un burdel de lujo en la Castellana, entonces avenida del Generalísimo y Dionisio la visita furtivamente mientras su hijo soldado está desfilando y su esposa Margarita se encuentra entre el público.
Algunos ecos de la guerra civil, y el triste trasfondo de las penurias, violencia y represión de la posguerra y de las dos Españas resuena en cada personaje, pero este encuentro a pesar del abismo social, vital e ideológico que les separa, no estará exento de tensión, malentendidos, rencillas, pero también ternura, nostalgia y comprensión mutua. Esta continuación dialoga estrechamente con la comedia original de Tres sombreros de Copa con muchas referencias a personajes, situaciones, réplicas y recoge modestamente algunos de los geniales recursos humorísticos de la comedia original.
Su estilo navega entre el jazz, el swing, la música de cine y los clásicos atemporales, creando una atmósfera elegante y evocadora que conecta con distintas épocas y generaciones.
Para todos los públicos. Es un espectáculo de magia y humor de la mano de Virginia Maza. Maga y actriz.
Bienvenidos a un espectáculo donde lo imposible cobra vida, donde las historias no necesitan finales felices… ¡porque cada instante ya es mágico!
“La Magia No es un Cuento” es un viaje lleno de humor, ilusión y sorpresas, donde la realidad se transforma delante de tus ojos. Aquí las cartas hablan, los sueños se hacen palpables y la risa es parte del truco. Porque la magia no está en los libros ni en las fábulas: ¡está aquí, ahora, en tus propias manos!
Prepárate para participar, reír y dejarte asombrar, porque esta noche descubrirás que la magia no es un cuento… es mucho mejor. Con la Maga Virginia, ilusionista y actriz, ¡no te lo puedes perder!
Taller intensivo de dos sesiones: 14 y 21 de octubre a las 18:00
DESCRIPCIÓN DEL CURSO:
Este curso está diseñado para actores y actrices que quieren dominar sus textos y liberar su creatividad, dejando atrás los bloqueos que provoca memorizar.
Aprenderás cuatro técnicas especializadas que dan orden y estructura a tu manera de estudiar, enfrentando directamente los dos grandes enemigos de la memoria: la pereza y la falta de concentración.
Durante el curso pondremos estas herramientas en práctica para que, al finalizar, sean tuyas. Con su uso aprenderás no solo a memorizar más rápido, sino también a retener los textos a lo largo del tiempo.
La memoria del texto no solo es importante: es necesaria para poder interpretar con seguridad y libertad. Es una fase del trabajo actoral que debemos priorizar con eficacia para poder ser creativos en escena.
Puedes inscribirte mandando un bizum de 40€ a escenarte 613056123 indicando «Tu nombre y apellido + Memoria» en el concepto
BIOGRAFÍA DEL PROFESOR:
Graduado en Arte Dramático en la ESAC de Valencia, Noel Conde es un actor que ha trabajado en teatro clásico (Romeo y Julieta, de Victoria Di Pace), teatro contemporáneo (Donde los viejos no andan, de Sergio Villanueva), microteatro y espectáculos de improvisación. Ha participado en numerosos anuncios publicitarios, algunos de los cuales han alcanzado gran difusión, como el spot viral de KFC.
En los últimos años también se ha dedicado a la enseñanza y a la dirección, así como a la escritura y creación de sus propios proyectos.
Ha desarrollado un método de memoria actoral que combina técnicas clásicas, usadas desde la Antigua Grecia, con su propia práctica profesional, ayudando a otros actores a memorizar sus textos y a mejorar su interpretación.
Las seis piezas breves De amores sin fin son miniaturas tragicómicas, que aunque suceden en lugares y tiempos muy distintos y alejados entre ellos, están unidas por vínculos familiares y por el hecho de que los personajes abordan el amor desde una perspectiva sofocante, insensata, tóxica, anuladora, absorbente y obsesiva.
Nos encontraremos a dos hermanas que les une un vínculo perverso, a un padre infantilizado que muestra una excesiva dependencia afectiva hacia su hija de 25 años, a una mujer cubana sin hogar que a causa de una trasfusión se le ha puesto la vida patas arriba, a dos hermanas en un país africano en el que se sienten felices y desvalidas al mismo tiempo, y a una mujer que visita en la cárcel a su hermana acusada de albergar a una terrorista hacia la que siente una fascinación sin límites.
Esta obsesión o este mal de amores, según comenta Lacan, no se basa en el vínculo real, sino en la imagen idealizada que hemos proyectado sobre el objeto amado, para no confrontar nuestras profundas carencias. En lugar de elaborar nuestro vacío, lo desplazamos al otro y quedamos atrapados en una fantasía que nos distancia tanto de nosotros mismos como del verdadero encuentro con el deseo y sobre todo con el otro, al proyectar sobre él, atributos ideales y quiméricos de felicidad y plenitud que nadie nos quiere ni tiene por qué conceder.
¿No está el amor en cualquiera de sus facetas: romántica, tóxica, familiar, tormentosa, incluso ocasional, en exceso sobrevalorado?
Barbie gestora de RRHH: Guillermo Legido y Raquel Chicharro
La mujer indigna: Marta San Millán Y Guillermo Legido
La transfusión: Germán Ávarez-Garcillán, Virginia Maza y Lucía Poroca
Mi piel manchada: Cristina García y Margarita Olivares
Tu Nombre Intatuado: Marta San Millán y Raquel Chicharro
Autor y director: Alberto de Casso
Es un dramaturgo español que ha escrito más de cuarenta obras de teatro y publicado más de veinte. Y ha dirigido muchas de sus obras en teatros del circuito independiente. Sus obras se han representado en España, Chile, Argentina y Cuba.
Alberto de Casso Basterrechea, Madrid, 1963, es un dramaturgo español que ha vivido también en Ghana y Cuba. Algunas de sus obras como Harmattan, publicada por Hiru, en 2001, Tres mujeres en África, publicada por Ediciones Antígona 2014 o Los Viernes del Hotel Luna Caribe están relacionadas con estos países. Ha conseguido algunos de los premios teatrales más destacados. En 1999 obtiene el premio Calderón de la Barca con Los Viernes del Hotel Luna Caribe, el Lope de Vega en 2008 con Y mi voz quemadura, publicado por Esperpento Ediciones teatrales junto con su obra Raquel y Rachid, obras que se representaron en Madrid, Donosti, Zaragoza, Cáceres y Cataluña. Se alza con el Premio Internacional de Teatro Breve Ciudad de Requena, 2007 con El violin roto de Samuel Levi y publicación de la obra. Obtuvo también el premio Escena contemporánea 2009 con El cuerpo oculto publicado por Ediciones Invasoras en 2017 y el VIII Certamen internacional Leopoldo Alas Mínguez de Fundación SGAE 2015 con La tarde muerta. También obtiene este mismo año el Premio Teatro Calderón de Valladolid con El ciclista utópico cuyo estreno tuvo lugar el 24 de Marzo de 2017. Logra el VIII Certamen Internacional Lam de la Sgae con La tarde muerta. Su obra El segundo infierno se ha estrenado en el Teatro Lagrada el 21 de octubre de 2016 con dirección de Andrea de Gregorio. Ha colaborado con obras breves en varios volúmenes de El tamaño no importa (A.A.T.). En la Habana ha estrenado ya tres obras, La lengua muerta, por la compañía El Buscón, Viaje a la ceniza, premio AAT 2014 estrenada en julio de 2017 y La seducción del eunuco en 2018 por la compañía Gaviota 10 y dirigida por Lilian Dujarric. Su último montaje Cuatro Historias Truncadas se ha representado en Madrid y Zaragoza. En diciembre de 2018 ganó el premio Buero Vallejo de Guadalajara con su obra Vorágine 123321 En abril de 2019 publica La mala herencia editada por Ediciones Invasoras que se estrena el 13 de diciembre de 2019 en la sala Lagrada con dirección de Laura Garmo Sus obras se han representado en España y Cuba. Sus obras se han traducido al inglés, catalán, portugués, gallego y polaco. Ha seguido cursos de escritura teatral y dramaturgia con Albert Boadella, José Sanchis Sinisterra, Juan Mayorga, Fermín Cabal, Marco Antonio de la Parra, Claudio Tolcachir, Eusebio Calonge y Paco de la Zaranda y un taller de narrativa con Augusto Monterroso y Sergio Pitol. Y ha impartido cursos y talleres de dramaturgia en Alcalá de Henares, Madrid (Lagrada), Bata, Guinea, Buenos Aires (Timbre 4)
Un dúo con alma propia. La voz única y llena de matices de Inés Hernández Blanco se funde con la guitarra elegante y versátil de Pablo Ruiz para dar vida a un repertorio que viaja desde los clásicos del Soul y el Blues hasta el Pop y el R&B más actuales.
En sus conciertos, 2The Sound revisita con estilo y personalidad canciones inmortales de artistas como Etta James, Aretha Franklin o Ray Charles, y las entrelaza con la fuerza y frescura de voces contemporáneas como Alanis Morissette, Adele, Dua Lipa o Miley Cyrus.
El resultado: una experiencia musical íntima, elegante y emocionante, capaz de conquistar tanto a los amantes de la música de siempre como a quienes buscan un sonido actual y cercano.
II Festival Internacional De Cine Social De Majadahonda
Inicio Festival: 06 octubre 2025 Fin Festival: 10 octubre 2025
Tras el éxito de la primera edición, se está organizando la Segunda Edición del Festival Internacional de Cine Social de Majadahonda (MISFE’25). Partiendo de la convicción de que el cine es una herramienta de transformación social y que, incentivando la difusión de un cine crítico y de calidad, podremos educar y sensibilizar a la comunidad sobre cuestiones sociales importantes.
El MISFE’25 no solo promete ser un escaparate para el talento cinematográfico, sino que también aborda y pone en foco cuestiones sociales de interés ya que las películas pueden servir como herramientas educativas y catalizadoras para el diálogo sobre temas relevantes.
Queremos ayudar a mejorar el desarrollo de Majadahonda y favorecer el enriquecimiento de la oferta cultural ya que la diversidad de películas presentadas en el festival puede enriquecer la vida cultural de la comunidad al exponer a los majariegos y las majariegas a diversas historias, perspectivas y expresiones artísticas.
Creemos que el cine tiene el poder único de tocar nuestras emociones y despertar empatía. Por ello, el celebrar este festival nos brindará la oportunidad de conectarnos a un nivel más profundo con historias que reflejan la diversidad de nuestras experiencias y nos inspiran a comprender y apreciar la riqueza de la condición humana.
A través de los cortometrajes que participan en esta segunda edición exploraremos y celebraremos la diversidad en todas sus formas: cultural, social, racial y más. Al destacar narrativas diversas, el festival promoverá la inclusión y la comprensión mutua, construyendo puentes entre comunidades.
Las películas seleccionadas no solo serán entretenidas, sino también motivadoras. A través de historias de superación, denuncia, activismo y cambio positivo, el festival servirá para compartir ideas.
Para esta Segunda Edición del MISFE, abrimos una sección paralela de Cine Escolar. En la Primera Edición del MISFE se entregó el Premio “Sonsoles San Roman” al mejor cortometraje de Cine Escolar. Este año queremos darle entidad propia a esta categoría dándole más entidad y participación a las piezas realizadas en centros educativos de primara, secundaria, bachillerato, formación profesional y centros formativos especializados.
Su estilo navega entre el jazz, el swing, la música de cine y los clásicos atemporales, creando una atmósfera elegante y evocadora que conecta con distintas épocas y generaciones.
Un refrescante cóctel de Música en Vivo y mucho Humor
Ojos de Gamba: música buen-rollista de gambautor.
Ojos de Gamba mezcla música fresca de autor con grandes dosis de humor. La improvisación, cercanía e interacción con el público son las señas de identidad de este proyecto que, usando géneros tan variados como el pop, la bossa-nova, la rumba o el rock, hila historias fuera de lo común. Y es que las canciones de Ojos de Gamba pueden ser divertidas o sensibles, pero siempre sorprenden y huyen de los estereotipos.
Más cosas de Isra
¿Te atreves a descubrir el refrescante universo de Ojos de Gamba? Un proyecto que une música de autor con grandes dosis de humor, improvisación e interacción con el público. Deja atrás el estrés de la semana y comparte risas y buena música en Escenarte, una sala de Majadahonda donde podrás disfrutar del espectáculo a pocos metros de los artistas.
Representación de la obra y encuentro con la compañía en el coloquio posterior
La compañía patriaCHICA lleva a escena el juicio de Irma Grese, guardia nazi en Ravensbrück, Auschwitz y Bergen-Belsen, condenada a la horca en 1945. Las reclusas de Auschwitz la apodaron «la hiena de Auschwitz» fue una de las criminales más temidas de su tiempo. y la alcaide de la sección femenina de Bergen-Belsen. Fue miembro voluntaria de las SS y ahora se erige como protagonista de esta pieza íntima e inmersiva que nos enfrenta cara a cara con los límites de la obediencia, la culpa o la monstruosidad cotidiana a través de un texto original de Jorge Moreno Pieiga.
El público se convierte en jurado, presenciando el testimonio de Grese, acusada de asesinatos y torturas. La sala de escenarte se transforma en un tribunal para esta intensa experiencia teatral, que revive uno de los juicios más emblemáticos de la Segunda Guerra Mundial.
¿Y si el rostro del mal es bello? ¿Y si en él se refleja nuestra fealdad interior?
Un monólogo opresivo que nos sumerge en la mente de una perversa criminal nazi durante el juicio que la habrá de condenar a muerte.
Posteriormente a la representación, se celebrará un coloquio sobre la obra moderado por Jorge Moreno Pieiga y con la presencia, naturalmente, de Yolanda Gómez Escudero. En su estreno en el recientemente pasado festival de teatro de Majadahonda, IN-SCENA, el público asistente no quería abandonar la sala. Esperaban más: Este coloquio que tendrá lugar en escenarte a continuación de la representación
FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA
-Intérprete: Yolanda Gómez Escudero.
-Escenografía y vestuario: patriaCHICA.
-Iluminación: Fernando Prieto.
-Espacio sonoro: Jorge Moreno Pieiga.
-Fotografía: Mara Villamuza / Jorge Moreno Pieiga.
-Cartel: Yolanda Gómez Escudero.
patriaCHICA, una compañía que saben destinada a iluminar nuevas rutas escénicas o vitales, acometiendo peregrinajes sin destino… aunque con un rumbo muy claro: el del respeto a la esencia teatral, verdadero cruce de caminos donde desagua el público más avezado.
Dígnense escoltar su marcha.
YOLANDA GÓMEZ ESCUDERO
Habitual de la escena madrileña, su versatilidad –en el género cómico (El último IKEA del mundo, Las visitas deberían estar prohibidas por el código penal), en el dramático (Teoría de grafos, Inmersión, Malcolm X: a portrait) y los musicales (La chica de la sala 4, Crónicas de Nueva York)- la ha llevado a protagonizar las más variadas producciones en torno a obras de autores consagrados como Miguel Mihura, José Sanchis Sinisterra, Wajdi Mouawad, Denise Desperaux o Alfredo Sanzol, así como de compositores de la talla de Ricardo Llorca y Alexis Soriano. Es fundadora -junto al dramaturgo asturiano Jorge Moreno Pieiga- de la compañía patriaCHICA, con la que ha estrenado Rosa con vela y el monólogo La mujer de los perros.
Licenciado en Geografía e Historia por la Universidad de Oviedo en la especialidad de Historia Medieval.
Debuta como intérprete en 1994, desempeñándose desde entonces en múltiples compañías profesionales (Higiénico Papel Teatro, El Desván de los Deseos o patriaCHICA). Su trabajo ha sido reconocido con numerosas distinciones a lo largo de todo el territorio nacional.
Director de escena desde 1996, ha estrenado muchas de sus creaciones (Harpías, Happy birthday, miss Monroe, Alizia 21, F-23, Tan noble reina como eres o Rosa con vela), así como textos de José Ramón Fernández, Patricia Zangaro o Ricardo Llorca.
Es autor teatral de reconocido prestigio, estando en posesión de numerosos reconocimientos –Premio Carlos Arniches, Premio Jesús Domínguez, Premio Rafael Guerrero– y sus obras se representan con cierta regularidad en los circuitos hispanoamericanos.
Su relación con el ámbito musical es ya prolongada, ejerciendo como actor de zarzuela, letrista para numerosos espectáculos originales –Sesfebú, Crónicas de Nueva York-, así como de director escénico en la ópera Malcolm X: a portrait, de Alexis Soriano.
Asimismo, es guionista televisivo y cinematográfico, habiendo destacado su labor en la Televisión del Principado de Asturias (TPA) dentro de los programas Un día en la Historia, Universo Rodríguez o Déxate d´Histories.
La imaginación y el drama consuela a los hombres de lo que no pueden ser. El humor los consuela de lo que son.
Bacon
OBJETIVOS DEL TALLER:
Dirigido a amantes del teatro, alumnos de interpretación de diferentes niveles, autores y autoras incipientes o con alguna obra escrita, que quieran conocer algunas de las herramientas útiles empleadas en la escritura de comedias, farsas o tragicomedias tanto en el análisis de textos como en la escritura y también en la interpretación y escenificación de escenas cómicas.
FECHAS: Seis sesiones de 2 horas. Total 12 horas. Del 22 de abril al 27 de mayo de 2025. Martes de 19.00 a 21 horas en el teatro de Escenarte, calle Las norias 14, Majadahonda.
PRECIO: 80 euros. (60€ para alumnos de escenarte)
En este TALLER abierto sobre Dramaturgia del Humor se pretende indagar en los mecanismos, procedimientos, y recursos humorísticos a partir del análisis de textos clásicos y actuales en los que domine o sea un ingrediente principal el elemento cómico y especialmente a partir de improvisaciones y juego teatral basados en situaciones o conflictos generadores de comicidad.
Analizaremos la noción de HUMOR, COMICIDAD y humorismo en algunos teóricos como Kant, Freud, Bergson o Sastre.
Revisaremos los procedimientos humorísticos en los diferentes niveles. Situación, personaje y Lenguaje desde un perspectiva más práctica que teórica. Comentaremos los gags tradicionales de la farsa, el entremés, la comedia, el esperpento, el teatro del absurdo, con algunas muestras de teatro clásico español y teatro contemporáneo, Y también reflexionaremos sobre los recursos que resultan de limitada eficacia a la hora de generar humor, sin olvidar que este responde a difusas y subjetivas codificaciones de grupo social, edad, ideología dominante, época, cultura y lugar, sensibilidad individual y colectiva. Para ello realizaremos múltiples improvisaciones a partir de esquemas argumentales o guiones sencillos y de gradual complejidad propuestos por el profesor.
Igualmente los participantes podrán valorar y discutir el alcance y la calidad de los elementos y procedimientos humorísticos empleados en los textos dramáticos de creación propia, los suyos y los de los compañeros, y calibrar en los mismos la originalidad y reconocer al mismo tiempo la pervivencia y la herencia de los eternos gags de la farsa y la comedia antigua y contemporánea.
PROGRAMA
¿De qué y por qué nos reímos cuando nos reímos en el teatro?
1. Cinco preguntas sobre el humor en la vida y en el teatro. Comedia, Tragedia, Tragicomedia. Farsa Humor antiguo y moderno. Diferentes tipos de humor. Origen y límites del humor. El humor en los chistes.
2. EL HUMOR EN EL TEATRO CONTEMPORÁNEO Y ACTUAL. Procedimientos humorísticos en el plano de la situación, personaje y lenguaje. Mecanismos generadores de humor: Violencia, Engaño, Equívoco, Repetición, Contraste, Contradicción, Exageración, Imprevisibilidad, Analogía, Transgresión y tabú, Patetismo, Localismo, Exotismo, Presentismo.. .etc.
3. El humor metateatral y metaescénico.
4. Análisis de los procedimientos humorísticos en textos diversos clásicos y actuales.
5. Análisis de los procedimientos humorísticos en textos propios y ajenos.
Todas estas nociones de tipo teórico se aplicarán en textos clásicos y modernos. Los textos dramáticos propuestos por el coordinador del taller son los siguientes, aunque se podrían utilizar muchos otros. Lecturas recomendadas o sugeridas:
La tierra de Jauja de Lope de Rueda
El retablo de las maravillas de Cervantes.
La venganza de Don Mendo de Pedro Muñoz Seca
Los cuernos de Don Friolera de Ramón María del Valle-Inclán
Tres Sombreros de Copa de Miguel Mihura.
Pic-Nic de Arrabal
Ay, Carmela de José Sanchis Sinisterra.
Los que ríen los últimos de Eusebio Calonge de la Zaranda
El chico de la última fila de Juan Mayorga
Últimos días de una puta libertaria de César López Llera
ALBERTO DE CASSO
Alberto de Casso Basterrechea, Madrid, 1963, es un dramaturgo español que ha vivido también en Ghana y Cuba. Algunas de sus obras como Harmattan, publicada por Hiru, en 2001, TresmujeresenÁfrica,publicadaporEdicionesAntígona2014o LosViernes del Hotel Luna Caribe están relacionadas con estos países. Ha conseguido algunos de los premios teatrales más destacados. En 1999 obtiene el premio Calderón de la Barca con Los ViernesdelHotelLunaCaribe, el Lope de Vega en 2008 con Ymivozquemadura, publicado por Esperpento Ediciones teatrales junto con su obra RaquelyRachid,obras que se representaron en Madrid, Donosti, Zaragoza, Cáceres y Cataluña. Obtuvo también el premio Escenacontemporánea 2009 con El cuerpo oculto publicado por Ediciones Invasoras en 2017 y el VIII Certamen internacional Leopoldo Alas Mínguez de Fundación SGAE 2015 con La tarde muerta. También obtiene este mismo año el Premio Teatro Calderón de Valladolid con El ciclista utópicocuyo estreno tuvo lugar el 24 de Marzo de 2017 con dirección de Yayo Cáceres y protagonizado por Fran Perea y Fernando Soto. Su obra El segundo infierno se ha estrenado en el Teatro Lagrada el 21 de octubre de 2016 con dirección de Andrea de Gregorio. Ha colaborado con obras breves en varios volúmenes de El tamaño no importa (A.A.T.). En la Habana ha estrenado ya tres obras, La lengua muerta, por la compañía El Buscón, Viaje a la ceniza, premio AAT 2014 estrenada en julio de 2017 y La seducción del eunucoen2018, premio Becketpor la compañía Gaviota y dirigida por Lilian Dujarric. Sigue a esto CuatroHistoriasTruncadasrepresentadas en Madrid y Zaragoza. En diciembre de 2018 ganó el premio Buero Vallejo de Guadalajara con su obra Vorágine 123321. En abril de 2019 publica La mala herencia editada por Ediciones Invasoras que se estrena el 13 de diciembre de 2019 en la sala Lagrada con dirección de Laura Garmo . En 2024 ganó el premio Dulce X Amargo con Las patrias ilusorias, comedia que se estrenó en Buenos Aires en la sala Jufré en julio de 2024 e hizo una gira en Noviembre por España. Su último premio recibido en marzo de 2025 ha sido el premio Laudamuco por la obra Vento mareiro non da voltas escrita en colaboración con Julio Fernández en gallego.
Sus obras se han representado en España, Chile, Argentina y Cuba.
Ha sido traducido al inglés, catalán, portugués, gallego y polaco.
Ha seguido cursos de escritura teatral y dramaturgia con Albert Boadella, José Sanchis Sinisterra, Juan Mayorga, Fermín Cabal, Marco Antonio de la Parra, Claudio Tolcachir, Mauricio Kartún, Eusebio Calonge y Paco de la Zaranda y un taller de narrativa con Augusto Monterroso y Sergio Pitol. Y ha impartido cursos y talleres de dramaturgia en Alcalá de Henares, Madrid (Lagrada), Bata, Guinea, Buenos Aires (Timbre 4)
Un actor acude a un casting buscando un papel en una obra de teatro. Pero la situación se torna surrealista y cómica cuando el teatro clásico se topa con el teatro del absurdo. Una obra muy divertida y muy original.
PARALELAS.
Un parque, un banco y un encuentro fortuito entre dos extrañas. ¿Qué puede pasar? En la mente de Luis Alberto Bustillo cualquier casualidad es motivo de la risa, garantizada hasta el desenlace final y sorprendente. Premio del público en el Segundo Certamen de Microteatro de Madrid.
CUANDO MUERAS ¿QUÉ HARÁS TÚ?
Seguro que esto no. Un cementerio no parece un lugar apto para la comedia, pero esta obra provoca risas entre las tumbas del escenario. Si no sabes contestar a la pregunta del título, aquí hallarás una respuesta improbable que no imposible.
SOBRE LA OBRA “Y puesto que me has echado en cara que soy ciego, te digo: aunque tú tienes vista, no ves en qué grado de desgracia te encuentras ni dónde habitas ni con quiénes transcurre tu vida.” Estas palabras que Sófocles pone en boca de Tiresias podrían explicar perfectamente el sentido de nuestra propuesta. Tanto durante la guerra derivada del golpe del general Franco contra la democracia republicana, como después, en la dictadura, miles de niños fueron robados por los vencedores a sus padres legítimos. MORTAJA es la historia de una revelación, a la vez que un recordatorio de las heridas que atraviesan nuestro presente. Sus personajes, lejos de ser ficticios, habitan entre nosotros. Son nuestros vecinos, nuestros amigos, nuestros conocidos, y a veces también nuestros familiares. MORTAJA es la segunda pieza de una serie de obras donde se denuncian los crímenes del franquismo y los silencios y los olvidos culpables de la democracia. También es una tentativa de rendir homenaje al teatro y a su inmensa capacidad para reflejar la vida con todos sus matices y en todos sus extremos.
SOBRE EL AUTOR: Francisco Gómez-Porro es poeta y escritor. Ha publicado los libros de poemas Fragmentos de épica, La canción infinita, La eterna provincia, El aliento natal, Todo lo que hiere, y otros. Tiene también varios ensayos sobre literatura, libros de cuentos, Donde no llega nuestro grito y Hayat, y la novela En el río muerto. En la actualidad trabaja en un proyecto teatral enfocado a los centros sociales y pequeños espacios autogestionados. Las rapadas es el primer texto de una tetralogía dedicada a la memoria histórica. La Mortaja es el segundo texto y se estrenará en esta sala el 30 de Noviembre.
Cecilia es una joven que sale a bailar una noche alocadamente a una discoteca de Buenos Aires y al salir se lleva accidentalmente una mochila con las pertenencias de otra mujer que casualmente se llama como ella. Cuando llega a su casa y ve el móvil de esa mujer decide usurpar su personalidad y hacerse pasar por ella y se infiltrará en su vida sin que el entorno de la chica, sus amigas, su familia, su novio, su terapeuta, adviertan ese fatídico cambio de identidades. Lo que parece una historia disparatada y absurda va cobrando visos inquietantes a medida que se va sumergiendo más en el mundo de la Cecilia desaparecida a la que ha reemplazado definitivamente.
Viernes 29 de noviembre a las 20:00 por la compañía Teatro en Defensa de lo Viviente.
SINOPSIS
Un relato de amor y resistencia cuando el cuerpo de la mujer es el campo de batalla, Una historia de resistencia y dignidad que transcurre en el mundo rural de La Mancha y abarca desde el final de la Guerra Civil y el Franquismo, hasta nuestros días. Sus protagonistas son dos mujeres, madre e hija, empeñadas en recuperar los restos de sus seres queridos, víctimas de la violencia bélica.
Ellas simbolizan el sufrimiento de miles de mujeres que, por el hecho de ser sindicalistas, obreras y/o pertenecer a organizaciones feministas o simplemente madres, esposas, hijas, novias, compañeras o amigas de republicanos fueron castigadas con el rapado de la cabeza durante la guerra y la posguerra, a lo que se sumó la represión durante 40 años de Franquismo y el olvido durante otros 40 años de democracia.
FICHA TECNICA:
Autor y Director: Francisco Gómez-Porro
Compañía: Teatro en Defensa de lo Viviente
Intérpretes: Isabel Sánchez Picazo
Laura Román Muzás
Juan Carlos Rivera
Sierra Díaz del Campo
Testimonio: Concepción Fernández
Voz: José Ocaña
Canción ambiente: “36” Los Porros Hermanos con Sara
Música: Colette Mourey
Luz y sonido: David Durán
Fotografía: Juan Zarza y Felicitas Sánchez
Género: Tragedia
SOBRE EL AUTOR: Francisco Gómez-Porro es poeta y escritor. Ha publicado los libros de poemas Fragmentos de épica, La canción infinita, La eterna provincia, El aliento natal, Todo lo que hiere, y otros. Tiene también varios ensayos sobre literatura, libros de cuentos, Donde no llega nuestro grito y Hayat, y la novela En el río muerto. En la actualidad trabaja en un proyecto teatral enfocado a los centros sociales y pequeños espacios autogestionados. Las rapadas es el primer texto de una tetralogía dedicada a la memoria histórica.
HISTORIA DE LA OBRA: Las Rapadas se estrenó el 27 de abril de 2019 en el Espacio Cultural Liberado Autogestionado (ESLA) Eko de Carabanchel. Ha sido representado en numerosos centros sociales y culturales como la Sala Palanca (Majadahonda), el Barrio (Pozuelo), la CNT y el Ateneo Republicano de Madrid, la asociación cultural La Vorágine de Santander, así como en espacios privados de Madrid: La Tortuga, el Teatro del Barrio y Pasillo Verde Teatro.
ALGUNAS RESEÑAS:
Gómez-Porro retrata desde la sencillez y la dignidad un canto a la libertad (la hija de la rapada se llama así precisamente) y agita el látigo contra quienes arrancaban el pelo a mujeres, la mayoría de las veces también víctimas ellas de violaciones y maltrato.
Masteatro
Carlos Herrera Carmona es autor, director y crítico de teatro.
Teatro En Defensa De lo Viviente se abre en canal para mostrar las injusticias de los conflictos bélicos que en especial sufren las mujeres en el pasado y en la actualidad. Y así dar un grito de repulsa y agitar alguna que otra conciencia.
Toda una reflexión que debería enseñarse como materia obligatoria en todos los campos educativos de la vida.
Proyecto Duas
Sonia López
Algunas valoraciones del público reseñadas en el Pasillo Verde
Agradezco mucho esta puesta en escena sobre la memoria. (Pilar)
Estupenda representación de uno de los episodios más dolorosos de nuestra historia reciente. Trasciende el cariño y la sutileza con que se ha tratado la obra y la absoluta entrega del reparto. Totalmente recomendable. (Marian)
No se puede dejar la memoria a un lado. Emocionante. (Nuria)
Poesía dramática que nos recuerda al Lorca de su trágica trilogía. Montaje e interpretación plenos de arte y sobriedad. (Pepe)
Las Rapadas me ha encantado. Ha conectado con mi corazón, causándome una gran emoción, y con mi cerebro, permitiéndome reflexionar sobre el drama de los vencidos, que ni siquiera pudieron enterrar a sus seres queridos, y sobre el odio volcado sobre la mujer y su cuerpo. Una historia que se vuelve a repetir cada día, en otros lugares. (Simonetta)
Esta obra debería representarse en toda clase de ámbitos, especialmente el escolar, como parte de la Memoria Histórica. Magnífica interpretación, la música excelente. (Mª Luisa)
Es muy oportuno dar a conocer este ejercicio de crueldad y humillación al que se sometió a las mujeres de los vencidos. Para nuestra vergüenza como seres humanos lo seguimos viendo en el momento actual. Gracias al autor.
La valentía y dignidad con la que las protagonistas reaccionan frente al dolor por la agresión es una lección sobre la que reflexionar. (Nieves)
